Янтар Полісся
+38(098)302 00 00
Перезвоните мне
UAH
  • UAH
  • USD
РУС
0
  1. Винсент Виллем ван Гог «Ночная терраса кафе» (1888)
  2. Эжен Анри Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» (1897-1898)
  3. Густав Климт «Три возраста женщины» (1905)
  4. Марк Шагал «Прогулка» (1917)
  5. Жоан Миро-и-Ферра «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов» (1935)
  6. Фрида Кало де Ривера «Две Фриды» (1939)
  7. Марк Ротко «Оранжевое, красное, жёлтое» (1961)
  8. Энди Уорхол «Банки с супом “Кэмпбелл”» (1962)
  9. Герхард Рихтер «Биркенау» (2014)
  10. Дэмьен Стивен Херст «Лактулоза» (2017)

Искусство всегда пользовалось языком символов. Однако если аллегории старинных изображений довольно прозрачны, то постичь идеи нынешних творцов сложнее. Подчас кажется, что их произведения и вовсе не несут в себе смысла – лишь беспорядочное нагромождение пятен. Но на самом деле в подобных работах скрывается много секретов. И из нашей статьи Вы узнаете тайное значение картин, которые на протяжении долгих лет восхищали и эпатировали зрителей.

Винсент Виллем ван Гог «Ночная терраса кафе» (1888)

Винсент ван Гог «Ночная терраса кафе»

Полотно, где запечатлена улочка французского города Арля – настоящий манифест постимпрессионизма… но этим достоинства картины не исчерпываются. В 2013 г. на Европейской конференции по искусству и гуманитарным наукам исследователь Джаред Бакстер предположил, что произведение – аллюзия на фреску Леонардо да Винчи «Тайная вечеря»!

И впрямь: всмотревшись в рисунок, Вы заметите, что в центре композиции находится длинноволосый человек в белых одеждах, а вокруг него расположилось 12 фигур (прообразы апостолов) и тёмный силуэт в дверном проёме – намёк на предателя-Иуду. А ещё на заднем плане виден крест, образованный линиями оконного переплёта.

Такая теория основана на происхождении Винсента ван Гога – его отец был пастором, а в юности художник мечтал о карьере проповедника.

Эжен Анри Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» (1897-1898)

Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»

Этот французский постимпрессионист тяготел к наивной простоте экзотических культур, считая европейскую цивилизацию «болезнью». Однако подобные воззрения не мешали живописцу задаваться философскими вопросами. И кульминацией его размышлений стало полотно, созданное в период жизни на Таити. Мастер утверждал, что «картина превосходит все мои предыдущие произведения» и даже задумывался о самоубийстве после её завершения.

«Читать» изображение следует справа налево, как японские рисунки. Композиция делится на три части: девушки с новорождённым ребёнком олицетворяют юность и невинность, группа в центре символизирует зрелость, а пожилая женщина слева – старость и смерть. Белая птица у её ног воплощает «бесполезность слов» – рок, который не зависит от человеческих желаний и страстей. А голубой идол представляет собой сны, фантазии и потусторонние видения.

Густав Климт «Три возраста женщины» (1905)

Густав Климт «Три возраста женщины»

Перечисляя известные картины художников ХХ ст., нельзя не вспомнить это панно Густава Климта. Оно принадлежит к самым узнаваемым произведениям мастера: в 1911 г. полотно наградили золотой медалью на международной выставке, в 1912 г. его приобрела Национальная галерея современного искусства в Риме, а в 2003 г. в Италии выпустили монету с репродукцией изображения.

В картине отображен круговорот жизни. Женские фигуры перетекают друг в друга: хрупкая девочка прижимается к юной девушке, а над ними склонилась измождённая старуха. Рисовка сильно отличается – красавица с младенцем стилизована и вплетена в орнаментальный фон, тогда как третий силуэт более натуралистичен. Контраст наделён символическим значением: молодость дарует человеку бесконечные открытия и метаморфозы, а преклонные годы – усталость и печаль.

Марк Шагал «Прогулка» (1917)

Марк Шагал «Прогулка»

Этот представитель русского авангарда прожил 97 лет, написал тысячи картин, занимался сценографией, слагал стихи на идише. И всё же вершина его творчества – автобиографичное полотно, где запечатлён сам художник и его супруга Белла Розенфельд.

На изображении мужчина стоит на земле, женщина же парит в небесах – этот лирический полёт отражает стремление автора забыть об ужасах революции, взглянуть на мир непредвзято, словно дитя. Ещё такое разделение на две части характерно для икон. А город вдали имеет не только реальный прототип – Витебск, родину живописца – но и является аллегорией Иерусалима.

Кроме того, произведение обыгрывает пословицу «Лучше синица в руках, чем журавль в небе» – воплощением последнего служит Белла, а маленькую птицу герой крепко сжимает в правой ладони. Иными словами, выбирать не обязательно – Вы можете достичь всего, о чём мечтаете!

Жоан Миро-и-Ферра «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов» (1935)

Жоан Миро-и-Ферра «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

Произведения этого абстракциониста и сюрреалиста сравнивали с «бессвязными детскими рисунками». Но именно карикатурность и гротеск позволили мастеру воспроизвести чаяния и страхи беспокойного ХХ ст.

Так, это панно, за неделю написанное на листе меди – своеобразное предсказание гражданской войны в Испании и установления диктатуры Ф. Франко. Фигуры тянущихся друг к другу мужчины и женщины выражают тревогу художника-каталонца о своей стране, а их гипертрофированные половые органы и золотая куча фекалий – отвращение и гадливость, которые автор испытывает к фашизму. Красные руки героев символизируют кровь, которая прольётся в сражениях, а тёмно-оранжевые пятна – павших солдат.

Фрида Кало де Ривера «Две Фриды» (1939)

Фрида Кало «Две Фриды»

Жизнь этой женщины была нелёгкой – в 6 лет она переболела полиомиелитом, а в подростковом возрасте попала в автокатастрофу и перенесла множество операций. Но ничто не помешало мексиканке создавать полотна, которыми восхищались как известные художники, так и обыватели.

Одну из таких работ Вы видите на этой странице. Двойной портрет – знак расставания Фриды Кало с мужем, Диего Риверой. Фигура в национальном костюме отображает ушедшую любовь, а та, которая облачена в свадебное платье – горе преданной женщины. Обнажённые сердца – воплощение страданий, а утекающая, несмотря на попытки зажать сосуд, кровь олицетворяет упадок жизненных сил. Художница сознаёт, что отныне она одинока и может рассчитывать лишь на себя саму.

Марк Ротко «Оранжевое, красное, жёлтое» (1961)

Марк Ротко «Оранжевое, красное, жёлтое»

Этот живописец утверждал, что любая художественная работа должна начинаться с цвета. И, вероятно, его мнение разделяют и другие люди – иначе как объяснить тот факт, что за представленное здесь полотно уплатили почти 87 млн. $ на аукционе «Christie's» в 2012 г.?

В чём же секрет картины? Очевидцы считают, что передать всё богатство её палитры не способна ни одна фотография. Объём и текстура нанесённых на холст красок, их плотность и прозрачность, тончайшее смешение оттенков – благодаря этим нюансам зритель погружается в пространство ярких, насыщенных тонов, переживая вызванные ими эмоции.

Энди Уорхол «Банки с супом «Кэмпбелл»» (1962)

Энди Уорхол «Банки с супом «Кэмпбелл»»

Необычное произведение состоит из 32 отдельных холстов высотой в 51 и шириной в 41 см. На них трафаретным способом нанесены изображения банок с разными сортами консервированного супа, выпущенного компанией «Campbell Soup». Казалось бы, ничего интересного, однако работа завоевала признание критиков, превратив коммерческого иллюстратора в родоначальника нового стиля. А сейчас подобный принт можно встретить везде – от журнальных обложек до одежды и уличных граффити.

Этот рисунок ознаменовал эпоху поп-арта – направления, которое сделало объектом искусства бытовые вещи и предметы массовой культуры. Он символизирует общество потребления, когда шедевры превратились в аналог еды быстрого приготовления – они быстро создаются, пользуются большим спросом и вызывают привыкание.

Герхард Рихтер «Биркенау» (2014)

Герхард Рихтер «Биркенау»

Так называется серия из четырёх полотен, которые вышли из-под кисти самого коммерчески успешного художника Германии. Хотя на первый взгляд картины кажутся мешаниной белых, красных и серых штрихов, они основаны на документальных фотографиях, в 1944 г. снятых узником концентрационного лагеря Освенцим-Биркенау. Мастер проецировал снимки на холст, а затем наносил краску слой за слоем, перекрывая изображения зданий, трупов, оград из колючей проволоки и членов зондеркоманды, несущих мёртвые тела к крематорию.

Сейчас произведения размещены у входа в Рейхстаг, напоминая о преступлениях тоталитарного режима.

Дэмьен Стивен Херст «Лактулоза» (2017)

Дэмьен Херст Spot painting

Тема смерти занимает центральное место в творчестве этого скандального и чрезвычайно богатого (его состояние приблизительно оценено в 215 млн. £) художника. Не стала исключением и эта картина из цикла «Пятна» («Spot painting»). Но как весёлые кружки относятся к неотвратимой гибели?

Ответ прост – это схематическое изображение таблеток. По мнению автора, человеческое тело давно перестало быть живым, превратившись лишь в набор химических элементов и выверенных функций. А мир вокруг стал схематичным и стерильным, утратив радость и спонтанность.

Популярные товары

Современное искусство не устаёт преподносить сюрпризы. Однако, какие бы картины известных художников не пришлись Вам по вкусу, наш интернет-магазин с радостью выполнит для Вас их янтарные репродукции!

iconsiconsiconsiconsiconsiconsiconsiconsiconsiconsiconsiconsiconsicons