Блог о янтаре Искусство TOP-50 живописных шедевров – интересные факты о знаменитых картинах. Часть 3

TOP-50 живописных шедевров – интересные факты о знаменитых картинах. Часть 3

25 липня 2020 2880

Михаил Александрович Врубель «Демон сидящий» (1890)
Эдвард Мунк «Крик» (1893)
Эдгар Дега «Голубые танцовщицы» (1897)
Эжен Анри Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» (1897-1898)
Пабло Пикассо «Девочка на шаре» (1905)
Густав Климт «Поцелуй» (1907-1908)
Анри Матисс «Танец» (1910)
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин «Купание красного коня» (1912)
Василий Васильевич Кандинский «Композиция VII» (1913)
Казимир Северинович Малевич «Белое на белом» («Белый квадрат») (1918)
Марк Захарович Шагал «Над городом» (1918)
Грант Вуд «Американская готика» (1930)
Сальвадор Дали «Постоянство памяти» (1931)
Пабло Пикассо «Герника» (1937)
Джексон Поллок «№5» (1948)
Рене Магритт «Сын человеческий» (1964)

Мир искусства очень богат и разнообразен. От древних рисунков самыми примитивными материалами до новаторской цифровой графики, от предельного реализма до причудливых абстракций и стилизаций, от нежных сочетаний пастельных цветов до чрезвычайно ярких красок и смелых форм – здесь каждый может найти что-то по вкусу. Но есть произведения, о которых должен знать любой образованный человек – настолько глубоко они вошли в культурное пространство. Таким полотнам, их истории и символике, и посвящена наша статья!

Михаил Александрович Врубель «Демон сидящий» (1890)

Эта работа – часть цикла, где показаны разные ипостаси потусторонней сущности. Источником вдохновения для него послужила поэма М. Ю. Лермонтова.

Рисунок поражает комбинацией могущества и апатии – атлетичное тело демона застыло в скованной и неловкой позиции, а на его лице, в котором переплелись мужские и женские черты, проступает страдание и мука. Дух тоскливо глядит на раскинувшиеся перед ним мёртвые земли, не замечая сияния утренней зари за своей спиной – так автор намекает на внутренние конфликты, что терзают человеческую душу и мешают достичь гармонии.

Эдвард Мунк «Крик» (1893)

Вряд ли это произведение можно зачислить в самые красивые картины мира – но оно, безусловно, имеет колоссальное социальное значение. Норвежский экспрессионист назвал его своей реакцией на «неумолкающий крик природы». Примитивный, деформированный силуэт с широко открытым ртом – аллегория отчуждения и потерянности, которые порой терзают каждого человека. Есть также гипотеза, что полотно – предсказание войн, революций и экологических бедствий, что произошли в ХХ ст.

Эдгар Дега «Голубые танцовщицы» (1897)

Набросок пастелью можно счесть быстрым и небрежным, однако он выверен до мелочей. Несмотря на то, что художник почти ослеп из-за отслоения сетчатки, он продолжал добиваться эффекта «случайного кадра», делая ради этого сотни предварительных зарисовок. Так и это произведение с безупречной композицией и нежной цветовой гаммой – девушки на нём словно готовятся к ритуальному танцу, преисполненные торжественного ожидания праздника.

Эжен Анри Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» (1897-1898)

Картина, созданная на Таити – манифест личной мифологии живописца. Читать её нужно справа налево (от сладко посапывающего младенца до пригорюнившейся старухи), и тогда перед зрителем развернётся цельная панорама человеческой жизни – рождение, зрелость и смерть. Стилистика полотна сходна с иконами – здесь столько же эмблем и символов. Так, белая птица воплощает бесполезность слов, а голубой идол – загробный мир.

Пабло Пикассо «Девочка на шаре» (1905)

Произведение, относящееся к «розовому» (более позитивному и лирическому) периоду творчества автора, изображает труппу бродячих артистов. Гимнастка репетирует выступление, балансируя на шаре, а рядом отдыхает силач; хрупкая фигурка девушки будто опирается на угловатое, устойчивое тело мужчины. Вместе они составляют неразрывную гармонию, где движение перетекает в статичный покой. А унылый пейзаж на фоне напоминает, что, помимо веселья, в жизни бывают и недуги, и бедность, и огорчения.

Густав Климт «Поцелуй» (1907-1908)

Этот чудесный образчик модерновых панно представляет двух влюблённых – олицетворение скрытого эротизма и единения противоположных начал. Мужчина возвышается над женщиной, защищая от опасностей, и она с радостью повинуется его притязаниям. Пара отрешилась от внешних стереотипов и проблем, самозабвенно наслаждаясь интимным моментом. А декоративное покрытие из сусального золота формирует замкнутое пространство, где нет места скандалам и волнениям.

Анри Матисс «Танец» (1910)

На сюжет произведения повлияли народные пляски в Коллиуре (город на юге Франции), античные греческие вазы и балеты С. Дягилева! Мастер избрал чрезвычайно лаконичную палитру (всего 3 оттенка – синий, розовый и зелёный), а ещё предельно упростил контуры тел. Однако, как раз благодаря такой скупости выразительных средств рисунок столь энергичен и драматичен – он наполняет страстью, влечёт и будоражит, демонстрирует первозданный архетип вакхического танца.

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин «Купание красного коня» (1912)

Самые известные картины в жанре авангарда принадлежат кисти зарубежных художников, так что это полотно – феномен в отечественном искусстве. В нём сочетаются приёмы византийских реликвий, ренессансные росписи и эксперименты ХХ ст. Бытовая сценка обретает неожиданную глубину – лошадь, удерживаемая смелым юношей, выступает прообразом страны, которой предстоит испытать и угар революций, и ужас коммунистического террора, и войну, и голод.

Василий Васильевич Кандинский «Композиция VII» (1913)

Произведение именуют «вершиной карьеры» русского абстракциониста. Ему предшествовали около 30 эскизов, набросков и акварелей, но саму картину автор завершил за 4 суток.

Тема работы – Судный день, который воспринимается не как катастрофа, а как переход из телесного состояния в духовное, избавление от оков плоти. Об этом свидетельствуют яркие тона и композиция рисунка – за их счёт возникает ощущение скольжения; полотно словно бы втягивает зрителя вглубь себя.

Казимир Северинович Малевич «Белое на белом» («Белый квадрат») (1918)

Монохромная гамма всегда манила живописца своей беспредметностью и раскованностью. И пиковым проявлением такой свободы стала эта картина! Она призывает разрушить шаблоны и начать с «чистого листа», указывает на бескрайние возможности самопознания и самосовершенствования.

Полотно очень популярно в США: после выставки в 1927 г. его увезли в Берлин, а затем – в Нью-Йорк. Сейчас это одно из немногих произведений русского супрематиста, доступное американской публике.

Марк Захарович Шагал «Над городом» (1918)

На этой работе мастер запечатлел всё, чем он дорожил в своей жизни: жену Беллу, которую он бережно держит в объятиях, и родной город Витебск (Беларусь). Супруги парят над домами и заборами, преодолев земное притяжение – их окрыляет любовь. Но герой тревожно оглядывается назад, и не случайно – автор предчувствует скорую эмиграцию, когда семье придётся спасаться от нацистов.

Полотно насыщено маленькими забавными деталями: в огороде пасётся козёл, а под деревянным штакетником перехожий справляет нужду.

Грант Вуд «Американская готика» (1930)

Картины известных художников хранят в себе некую мистическую загадку. Взять хотя бы это произведение – его часто называют пугающим. Однако автор вложил в рисунок только сатирический подтекст: он подшучивает над консервативным пуританским наследием и клише о типичном фермере – угрюмом, замкнутом и нелюдимом. Впрочем, во времена Великой депрессии полотно стало воплощением стойкости и решительности. А сейчас на него создаётся множество пародий и рекламных плакатов.

Сальвадор Дали «Постоянство памяти» (1931)

Вдохновение подчас приходит из странных источников – так, идею этого полотна испанскому сюрреалисту подсказал расплавленный сыр камамбер и теория относительности А. Эйнштейна! Основой служит пейзаж каталонского побережья, куда помещены разные символы: часы иллюстрируют афоризм Гераклита «Всё течёт, всё меняется», голова олицетворяет мучившую мастера мигрень, муравьи – тлен и разложение, яйцо – зарождение привычного нам мира, а море – бессмертие. Главная же концепция произведения – связь прошлого, настоящего и будущего.

Пабло Пикассо «Герника» (1937)

Батальная картина выполнена в память о бомбардировке одноименного города (на него сбросили около 6 тыс. снарядов), апрельской испанской революции и гражданской войне. Здесь изображены сцены слепой жестокости, кровожадной свирепости и страданий, массовое уничтожение людей, животных и зданий. Особый акцент сделан на быке в левом верхнем углу – метафоре безразличия и намеренного неведения. Черно-белая гамма придаёт работе сходство с фотографиями в газете. Есть лишь слабая надежда на восстановление – её выражает мирно горящая лампа под абажуром.

Джексон Поллок «№5» (1948)

«Капельная» техника этого художника, когда краску разбрызгивают над холстом, вызвала фурор среди искусствоведов. Так было изготовлено и это произведение – но его настоящая ценность в другом.

Сначала за картину уплатили 1,5 тыс. $. Из-за повреждения при транспортировке автору пришлось полностью переписать рисунок – считается, что тогда он стал «метафизически утончённым». Затем работа ещё несколько раз переходила из рук в руки, и наконец в 2006 г. её приобрёл мексиканский коллекционер Д. Мартинез – за баснословную сумму в 140 млн. $!

Рене Магритт «Сын человеческий» (1964)

Полотно задумывалось как автопортрет, потом превратилось в обобщённое изображение эффективного бизнесмена, но в итоге оно демонстрирует конфликт между истинной сутью человека и тем, как воспринимают его окружающие люди. Мир предлагает нам тысячи иллюзий, и между ними непрерывно разыгрываются невидимые, но важные сражения. Тем не менее, даже под самыми надёжными масками всё ещё можно рассмотреть первозданную личность – потомка Адама, который подвергается тем же искушениям, что и его предок.